memória

Hoje a coluna será diferente, mas nem tanto. Uma recomendação pessoal dos meus três discos favoritos. Afinal, nada é melhor do que falar daquilo que a gente gosta, não é verdade? O favoritismo pode pesar aqui, mas é impossível não demonstrar afeto por nossos crushs e mozões.

The Stooges – Fun House (1970)

  Ah, os Stooges. Eu amo os Stooges. Iggy (ainda sem o Pop), os irmãos Asheton, Ron e Scott, e Dave Alexander. Descobertos por Danny Fields, na época uma espécie de caça-talentos da Elektra, moldaram os padrões do que se tornaria o punk rock oito anos depois. Simplicidade, agressividade, luxúria e tédio. Os Stooges começaram a carreira no experimentalismo. Tocavam longas músicas em suas apresentações, com muita cacofonia e Scott Asheton batucando latas de lixo e gasolina. Tudo caótico e nada comercial. Em seu contrato com a Elektra, tiveram que comercializar seu som. Nenhum problema nisso. O primeiro disco, homônimo, lançado em 1969, exalando o tédio atemporal da adolescência, causou uma revolução musical. Três acordes e um niilismo ingênuo. Nasce o punk rock, mesmo ele já tendo seus primórdios uns quatro anos atrás, na Inglaterra, no riff de You Really Got Me, dos Kinks. O timbre lisérgico e os wah-wahs da guitarra de Ron Asheton tumultuando nossos ouvidos num caos controlado, produzido por John Cale, aquele mesmo do Velvet Underground, o lado vanguarda da banda. Ironicamente, ele adocicou o som dos Stooges. Eles não gostaram nada. O disco muito menos. Vendeu mixaria. E nele encontramos hinos punkadélicos do quilate de I Wanna Be Your Dog (a luxúria e submissão), 1969 e No Fun (o tédio e niilismo). Um ano depois, tomam um passo adiante em seu som. O tédio ingênuo dá lugar à pura farra niilista. Fun House serve como uma extensão do disco anterior, apenas mais completo, e diferente também. É metálico, tal qual Detroit, a cidade industrial palco e berço de bandas revolucionárias e agressivas. Produzido por Don Gallucci, tecladista do Kingsmen, e responsável pelo riff de teclado mais famoso da história, o de Louie Louie, o disco é seco, autêntico e vivo. As músicas são construídas na base do improviso. A banda soa profissional, centrada. Ron Asheton abandona seus timbres ácidos e os substitui por cortes e socos a queima-roupa na cara. O contrabaixo de Dave Alexander ainda mais pulsante. A batida instável de Scott Asheton. O tilintar das caixas é orgânico e seco. Uma autêntica bateria. E Iggy cada vez mais enlouquecido. Berrando, gemendo e urrando tal qual uma pantera caçando sua presa numa selva infernal. Iggy nunca soou tão primal na vida. Sua voz ecoa das cavernas mais profundas da humanidade. Na última faixa do álbum, L.A. Blues, os Stooges liberam o caos na terra, direto das entranhas do inferno e drogas. Cacofonia, ritmos dispersos e dissonantes, e o Iggy, claro, na maior selvageria. Altamente coeso em sua forma, a melhor descrição de Fun House se encontra no livro 1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer: ”O lado A é a festa, o B a ressaca”. Nada mais resumido. Composto por sete faixas, o lado A apresenta canções mais curtas e diretas. Empolgantes em sua essência. Para dançar. Uma farra completa. Termina com Dirt, uma pausa no dinamismo e o início do declínio da noite. Iggy se sente sujo e não se importa com isso. Abrindo espaço para o lado B, outra história. Canções mais longas, repetitivas, tão diretas e caóticas quanto e com o acréscimo do saxofone de Steve Mackay, martelando a ressaca em nossas cabeças. Tudo lindo e cheirando a liberdade e decadência. O disco também não vendeu nada, e os Stooges se separaram, para voltar dois anos depois, agora com outro guitarrista, James Williamson, tão agressivo quanto o próprio som dos Stooges, e Ron Asheton migrando para o contrabaixo, e, sob a produção de David Bowie, lançarem Raw Power, seu disco mais cultuado. Mas meu coração permanece em Fun House, por todo o sempre. Sendo sincero, não sei exatamente o que falar do disco. É o meu favorito. Aquele que eu levaria para uma ilha deserta sem pensar duas vezes. Palavras são desnecessárias nesses momentos. Basta sentirmos. E esse é também o melhor disco da história. Ponto final.

Destaque: Down on the Street – A abertura espetacular desse disco maravilhoso. Talvez o melhor riff da história. Cheio de groove e sensualidade. Empolga até defunto. É só isso que você precisa saber. Ritmo dançante, contrabaixo e bateria se relacionando e refrão explosivo e gritado. Depois um solo improvisado, monossilábico e fantasmagórico de Ron Asheton. Na letra, nada mais nada menos que Iggy caminhando rua abaixo, pensando em alguém e vendo coisas bonitas. É, o forte dos Stooges não eram as letras. Não que isso importe.

Serge Gainsbourg – Histoire de Melody Nelson (1971)

 Apenas Gainsbourg para tornar um assunto tão polêmico, delicado e repulsivo em algo belo, melancólico e sonhador. Aqui temos uma ópera-rock sacana sobre uma paixão proibida. E ilegal. O alter-ego de Gainsbourg, ou talvez o próprio, dirige seu Rolls Royce pelas ruas solitárias de uma noite escura quando atropela uma garota numa bicicleta. A imagem virginal de Melody Nelson o fascina. Começa aí um conto de obsessão e paixão que termina em tragédia. É isso mesmo. Melody Nelson é menor de idade. Gainsbourg não revela exatamente as primaveras da personagem título, mas suas descrições de lolita nos remetem uma ideia. Gainsbourg atravessa as profundezas mais sinistras do homem. A história é narrada em detalhes e tons poéticos pelo vocal sussurrado e falado de Gainsbourg, a subsequente sedução até o ato carnal. Gainsbourg está apaixonado pela sua musa virginal. Ele a deseja. Não a vê como uma mera presa de suas perversões e delírios carnais. É uma paixão autêntica. Mas não se preocupe, não há palavras ofensivas aqui. Detalhes das núpcias do casal são deixados de lado. Tudo muito galanteador e francês. Gainsbourg era malandro, mas nada burro. É exatamente isso que torna esta obra tão bela. A tragédia e luxúria de uma paixão proibida sob o ponto de vista delicadamente romântico e recíproco. É um obra feita para chocar, mas sem a apelação tão comum nesse tipo de abordagem. Não espere um Lolita da vida. A mera perversão e medo de um Humbert Humbert não existem aqui. E nada de romantização e glamourização de um tema desagradável. O que talvez faça esta obra soar tão sinistra e até ingênua em seu conceito. Na verdade, até que há uma certa moral da história. O disco fecha com a morte de Melody Nelson, em um acidente de avião, e Gainsbourg lamentando o eterno fim de sua paixão proibida, como se fosse viver o resto de sua vida no maior sofrimento, pagando pelo seu pecado. Maior deprê. Mas o verdadeiro primor aqui é a música, é claro. Com 27 minutos de duração e dividido em sete faixas, Melody Nelson é um exercício de delicadeza e produção esmerada, luxuosa e muito, mas muito simples. Tudo nesse disco é perfeito. Produção, execução, interpretação. Foi feito para ser ouvido do início ao fim, sem pular faixas. Afinal, é um álbum conceitual. Cada faixa expandindo a outra. A base do disco se encontra num funk sombrio e levemente safado que só Gainsbourg sabia fazer, com três curtos interlúdios acústicos para acalmar os ânimos. As músicas seguem uma linha repetitiva e tranquila, e vão aumentando e progredindo ao mesmo tempo em que o enredo é desenvolvido. Tudo muito sombrio e melódico. A calmaria antecipando a tempestade. Cada instrumento bem executado e em harmonia com o clima das canções. Nenhum instrumento se sobrepõe a outro. Um autêntico trabalho em equipe. De primeira temos toques de guitarra aqui, baixo marcando a melodia, bateria o ritmo, mais toques de guitarra ali, uma leve passagem de cordas, terminando numa explosão conjunta. Sem pompa, sem complexidades. Apenas simplicidade em seu estado mais bruto. Esse desenvolvimento em conjunto entre enredo e música é perfeito para nos envolver na história. Um filme em nossa mente. Não é preciso ter domínio da língua francesa para entender a história. Música e letra já fazem todo o trabalho. Além disso, a mixagem dos instrumentos é tão seca e genuína quanto a mais fria das almas. Há belíssimos dedilhados de violão e contrabaixo sustentando as melodias e pintando tons de alegria no disco. Sonoridade ideal para o ambiente melancólico e de tensão sexual. Os arranjos de cordas de Jean-Claude Vannier banham o disco em magia e sonho. Etéreo. Um coro de anjos sem o coro. Em resumo, Melody Nelson é a maior definição de perfeição. Uma obra-prima indispensável na coleção de qualquer amante da música.

Destaque: O álbum inteiro, é óbvio!

Dennis Wilson – Pacific Ocean Blue (1977)

   Dennis Wilson, o beach boy errático, rebelde e de espírito livre. Mas também um ser de natureza gentil e doce. E uma alma atormentada. Espíritos livres com frequência são atormentados. A liberdade é perturbadora. Dennis era o patinho feio dos garotos da praia. Tinha uma voz fraca e grave, um contraponto perfeito aos seus colegas de banda, todos muito bem afinados. Isso não impediu Dennis de interpretar majestosamente belas canções do cancioneiro praieiro. Sua fragilidade é envolvente em canções como The Back of My Mind, por exemplo. De uma extrema ternura. Também foi um hábil compositor. Não tão genioso quanto seu irmão, Brian, mas igualmente brilhante. Dennis não teve treinamento musical algum. Escrevia suas melodias de coração mesmo. Ou talvez tocasse apenas notas agradáveis até formar uma sequência coesa, quem sabe. Não importa. Sua canção mais famosa nos Beach Boys, Forever, é um exemplo desse seu brilhantismo. Melodismo em seu mais alto nível. E seu único disco solo segue essa linha. Apenas um pouco menos comercial. Desprovido de enfeites, Pacific Ocean Blue é um trabalho melancólico, reflexivo, cru e repleto de sentimento de um ser atormentado. Clima de fim de noite e solidão. Levemente depressivo e desesperador, mas com traços de esperança. Letras sobre amores saudosos, despedidas tristes, reflexões e leve otimismo em relação a vida. Sua voz mais rouca e fraca, devido a idade e sua forma física desgastada. Ele era o galã dos Beach Boys, o garoto-problema, e em 1977 se encontrava fora de forma. Mas sua voz atormentada por pesadelos, num timbre áspero, combina perfeitamente com a atmosfera desoladora de suas canções. Wilson as interpreta com a sonolência e ausência de personalidade, mas com muita personalidade, de quem só quer desabafar sobre seu cansaço mental e físico. Tudo envolto em névoas e água salgada. Podemos imaginar a paisagem tranquila e deprimida de uma manhã solitária e cinzenta nas areias de uma praia. A princípio o disco pode soar um tanto tedioso para ouvidos menos acostumados com um som nada progressivo e padronizado, com poucas mudanças e tudo arrastado, que segue os padrões de um rock mais adulto, orientado para as rádios, da costa oeste dos Estados Unidos, também conhecido como AOR, mas sem o raiar do sol. É um anti-AOR. Nenhuma faixa apresenta um apelo comercial. Apenas beleza em sua essência. É um disco para ser ouvido na íntegra, em sua totalidade. Maçante, mas nada maçante. Os ganchos estão ali, tímidos em meio ao clima levemente desesperado do disco. Por isso exige repetidas audições até entendermos seu conceito, sua musicalidade peculiar. E aí é que ele nos envolve cada vez mais. No fim, Pacific soa por vezes perturbador. Um mergulho nas reflexões de um espírito atormentado pela sua natureza rebelde e errática. Wilson morreria seis anos depois de lançar seu  primeiro e último disco, afogado após pular bêbado na água. Um fim trágico para uma alma trágica.

Destaque: Thoughts of You – A mais perturbadora do disco. Acompanhado apenas de uma melodia lindíssima e depressiva ao piano, e pequenos toques de um arranjo de cordas, Dennis está saudoso, pensamentos rodeando sua cabeça. Ele reflete sobre solidão e amor passageiro. Seu único conforto está em suas lembranças e pensamentos, que lhe trazem alegria. Tudo mais do que melancólico e sinistro. As coisas ficam mais macabras quando a melodia muda, aumentando a tensão da música, e camadas de vozes surgem ao lado de Dennis, que  parecem tentar escapar de um limbo infernal. ”All things that live one day must die” (Todas as coisas que vivem um dia devem morrer), canta na maior tranquilidade sombria de uma vida ofegante chegando ao seu fim. Angustiante. Não recomendável para ouvidos facilmente impressionáveis.

Quer queiram, quer não, ninguém pode se livrar das garras desse amor gostoso. Ou passamos a sofrer da terrível sofrência. A seguir, três discos repletos de dor, causada pelos sentimentos perdidos e inatingidos do amor, aquele monstro sádico.

Derek and the Dominos – Layla and Other Assorted Love Songs (1970)

 Lá pelos idos da década de 60 Eric Clapton se encontrava na pior. Estava apaixonado por Pattie Boyd, já comprometida. E pior, esposa de seu melhor amigo, George Harrison. Cansado e cada vez mais caindo de amores, naquelas de pensar na pessoa todos os malditos dias da vida que seguia, e querendo não sofrer mais, Clapton resolveu declarar a ela seus sentimentos. O casamento já estava em ruínas, e malandro que só ele, resolveu aproveitar a deixa. Não deu certo. Pattie continuou na tentativa de resolver seus problemas matrimoniais com o ”beatle quieto”, que também não era lá o santinho que todos achavam que era. Esses piscianos, tão imprevisíveis. Clapton, por sua vez, resolveu ter um caso com a irmã de Pattie, Paula, apenas pela semelhança física e uma maior aproximação de Pattie. Não é preciso dizer que isso só piorou a situação. O guitarrista então entrou numa depressão pesada, se viciando em heroína e álcool. Nenhuma novidade aí. Cheio de dor, decidiu formar um novo grupo com os músicos de estúdio Bobby Whitlock, Jim Gordon e Carl Radle. Surge Derek and the Dominos. Lançaram apenas um disco, duplo, todo dirigido à Pattie. Clapton convidou Duane Allman, o herói dos Allman Brothers, para transpor a delicada raiva e chororô em seus slides. Layla foi dividido entre canções autorais, inspiradas pela tragédia amorosa de Clapton naquele momento, e covers, que também falam das dores do amor inatingível. As observações de Clapton sobre suas agruras e sofrimento o permitem sonhar, se declarando em canções sobre o pecado de amar a mulher de outro e ser dela, não importa a distância que seja. Parece estranho, e com certeza o é. ”And if it seemed a sin/To love another man’s woman, baby/I guess I’ll keep on sinning/Loving her, till my very last day” (E se parece pecado/Amar a mulher de outro homem, baby/Eu acho que continuarei pecando/Amando ela até o último de meus dias), é o que canta Bobby Whitlock, soltando a voz num tom grave. Quase um pastor. Obsessão nunca soou tão trágica, determinada e sinistra. A razão, causa e circunstância do porque Clapton não cantou nesse trecho tão pessoal é um mistério. Já em Have You Ever Loved a Woman, um antigo blues de Chuck Willis, é ele que dá o ar de sua desgraça: ”Have you ever loved a woman so much you tremble in pain?/And all the time you know she bears another man’s name”. (Você já amou uma mulher tanto a ponto de tremer de dor?/E todo esse tempo você sabe que ela carrega o nome de outro homem). Arrepios. É um disco basicamente pop com temperos de blues e soul, derramando a angústia por todos seus quatro lados. A banda é afiada, tocando na precisão de um senhor Miyagi. Jim Gordon é um monstro na bateria, sempre com suas viradas marotas. Ouvir essa viradas no fone de ouvido é um prazer inenarrável. O disco também serve como veículo para o lado cantor de Clapton, aqui em seu melhor registro vocal. Ele se entrega às canções. Parece cansado, abatido pela sua dor. Mas determinado. Sua voz soa fraca e potente ao mesmo tempo. O timbre levemente sujo, talvez pela quantidade de álcool consumida para tentar aliviar seus pensamentos. E há o clássico dos clássicos, Layla. Um hino. Riff histórico presente em tudo o que há de clássico nesse mundo, e letra inspirada num conto persa de amor proibido. É a que mais se dirige diretamente à Pattie Boyd. Clapton soa raivoso, indagando sobre a escolha dela em permanecer num casamento já falido, e a ameaça de ficar sozinha pelo resto da vida quando as coisas ficarem feias para o seu lado. Homens, sempre tão… dramáticos. A banda acabou um tempo depois. As drogas cada vez mais afetaram Clapton, que se isolou. Apenas anos mais tarde é que seu sonho enfim se realiza, com o fim do casamento de George e Pattie, e os dois se permitem amar. Se casam em 1979, e o resultado não foi tão maravilhoso quanto o desejo de Clapton achava que seria. Talvez pelo abuso de drogas, Clapton deixou de se preocupar com Pattie, e sua vida teve ainda mais dor, muito mais dor, até se separarem no final da década de 80. No final, tudo pareceu mais um caso de mera paixão e perdição. Triste.

Destaque: Why Does Love Got to Be So Sad? – Um furacão banhado em groove, raiva e melancolia. Talvez é a que mais resume o espírito do disco e do estado de Clapton naqueles tempos. Clapton dispara lamentos piedosos sobre a distância entre os dois em seus versos. Ele não consegue parar de pensar nela, resumindo os efeitos que a paixão promove em nossas cabeças, para terminar perguntando o ”por que do amor ser tão triste”. Ah, esse monstro sádico. ”Like a song without a name/I’ve never been the same since I met you” (Como um canção sem nome/Eu nunca mais fui o mesmo desde que te conheci), canta. Nada mais direto. A banda se mostra no maior dos frenesis. As linhas do contrabaixo de Carl Radle dançando no ar, Jim Gordon mantendo o ritmo com suas viradas precisas e Clapton e Allman duelando em suas guitarras. Clapton num riff violento e rítmico, e Allman solando uma slide agressiva e melódica, chorando de desgraça. Dá até pra sentir a faísca soltando na alma.

Arnaldo Baptista – Lóki? (1974)

  Arnaldo Baptista também não estava nos melhores dias após sua saída dos Mutantes em 1973. Com a saúde cada vez mais debilitada pelo uso intenso de substâncias lisérgicas, e tal qual um Syd Barrett brazuca, demonstrando um comportamento dos mais bizarros, se encontrava em plena desgraça. Ainda tinha o fato de, pelo menos é o que conta a história, estar obcecado por Rita Lee, sua colega de banda e ”alma gêmea”. Mas também nem tanto. Em sua autobiografia, Rita conta que Arnaldo não era assim tão chegado nela, e quando surgia, era só pra atazanar. Talvez o primeiro embuste da história, quem sabe. Ou como já foi dito antes, apenas resultado dos efeitos que a paixão, ou o amor, causa nas pessoas. Você sabe, nos tornamos relativamente estúpidos em meio aos nossos sentimentos. Rita também afirma que eles eram sim ”almas gêmeas”, ao menos nos primeiros anos de convivência. Era uma relação mais familiar do que meramente sexual. Se completavam. Duas crianças fazendo peraltices. Amando ou não, e assim sendo, Arnaldo, após compor material novo, se fecha no estúdio, acompanhado de Liminha e Dinho, também parceiros de Mutantes, e grava seu primeiro e melhor disco. Lóki? é uma obra-prima, daquelas que já nascem com esse dom. Arnaldo se entrega na autopiedade. A produção crua e urgente ao extremo é um ótimo pano de fundo para um disco repleto de angústia e dor. Não é exatamente um disco de sofrência, mas sim de sofrimento no sentido mais melancólico e amplo da palavra. Arnaldo se deixa afundar na sua dor e delírio constante. Sobre as composições, afirmou certa vez não terem relação nenhuma com Rita, mas é impossível não pensar na presença constante dela em torno da obra. E se não dela, de alguma outra pessoa. É um disco muito subjetivo, com reflexões melancólicas sobre tempos áureos, saudade, perdição, fuga nos próprios pensamentos, solidão, isolamento e morte. Tudo transcrito na leveza do brilho dos dias pela aura de uma mente perturbada. Entre a desesperança e a esperança. Ele ama Rita, ou essa outra pessoa, e a quer de volta. Tudo nos mais altos padrões de sinceridade. E mesmo assim, Lóki? não soa exatamente depressivo. Nada é maçante aqui. Suas músicas, mesmo tristes, também são alegres. Há rock no meio das baladas melódicas. O trio mostra ao ouvinte que funciona em perfeita harmonia. O som é potente e leve na mesma exatidão. Tudo executado na maestria. Arranjos simples, porém complexos, andamentos e quebradas progressivas. Arnaldo mostra todo seu lado erudito. Criação de família. A atmosfera é íntima. O instrumental é composto apenas por piano, baixo e bateria, com eventuais participações de outros instrumentos, e da própria Rita nos backing vocais em duas faixas. Arnaldo está ferido em suas interpretações, sem demonstrar precisamente isso. Sua voz bastante jovem e potente. Canta num corriqueiro cansaço a sua esperança no futuro, suas reflexões sobre um país que ainda é criança, esperar o apocalipse na tentativa de reencontrar um amor perdido, sua solidão, não estar nem aí pra morte, pra sorte e ter como meta apenas ”decolar toda manhã”, além de se ver apegado ao passado, a coisas que lhe dão prazer e a indagar se vai virar bolor. Sentimos sua depressão. Após o disco, Arnaldo entraria numa longa fase de refúgio, perturbando Rita mais algumas vezes, formando a Patrulha do Espaço, passando por crises e decaindo cada vez mais em seu estado mental, culminando na trágica tentativa de suicídio ao se jogar da janela de seu quarto, no terceiro andar de um hospital psiquiátrico. Arnaldo, é claro, sobreviveu, conheceu Lucinha Barbosa, sua companheira desde então, se recuperou dos traumas e hoje está aí de boas com a vida.

Destaque: Desculpe – A perfeita definição de uma balada corta-pulsos. Chorosa, na maior sensibilidade melódica. Letra das mais confessionais e depressivas. Um pedido de desculpas cheio de ternura. Arnaldo está saudoso e esperançoso. E desolado também. Só a quer de volta. Se sente o maior dos lixos. ”Sinta o barato de ser ser humano, comigo”, canta. Então ele se fecha em seu casulo. ”Não sou perfeito, nem mesmo você… Riiiiiiiii!”, lamenta. Há dúvidas quanto à natureza do ”riiiiii”. Rita? Uma síndrome do pânico? Ou apenas um delírio imposto pela loucura da tristeza do momento? A música segue na tranquilidade, com eventuais progressões melódicas durante seu trajeto e ganhando força em algumas passagens mais íntimas. E capta toda a essência da letra. É como se estivesse lá, uma parte de si mesma, sofrendo ao lado de seu criador toda a solidão desesperada expressa em seus versos. Há um clavinet que torna a canção transcendental. Entre Beethoven e Bach, duelando nos anéis de Saturno. Tudo na maior angústia, das mais pesadas.

Bob Dylan – Blood on the Tracks (1975)

Situação parecida a de Bob Dylan em 1975, passando por uma crise no casamento com Sara, sua esposa há mais de dez anos. Talvez isso tenha o influenciado a gravar seu disco mais confessional na sua gigante discografia. O disco fala do fim de uma relação, do ponto de vista adulto e amadurecido. Há todas as diferentes fases, como negação, lembrança de momentos felizes, raiva, tristeza, medo da perda, medo da solidão, solidão em si, desespero e aceitação. Dylan diz que as canções não foram inspiradas em sua vida pessoal, já que, em suas palavras, não escrevia letras autobiográficas. Sua principal fonte foram as histórias curtas do escritor Anton Chekhov. Já Jakob Dylan, o filho, apenas uma criança quando esteve presente nas gravações de Blood on the Tracks, declarou que o álbum inteiro é uma conversa entre seus pais. Autobiográfico ou não, a obra reflete o teor íntimo de seu autor. Desprovido de grandes produções, o disco é seco como o fim de uma relação. Bem apropriado para as letras cheias de amargura, melancolia e dor. E aceitação também. Dylan admitiu ficar surpreso com o sucesso e relevância do disco para seus fãs. ”Um monte de gente me disse adorar o álbum. É difícil concordar com elas. Quero dizer… Pessoas curtindo esse tipo de dor, sabe?”, declarou sobre sua maior obra-prima. E a musicalidade está mais presente do que nunca. A música de Dylan sempre foi provida de arranjos melódicos e ganchos. Uma pintura musical. Sua interpretação passa do calmo, suave e terno para o irônico, raivoso (mas sem perder as estribeiras) e dolorido. Dylan foi, e ainda é, um grande intérprete. Sua voz analasada, cheia de choro nos lamentos sobre a solidão do abandono e da raiva do momento. Curiosamente o disco poderia ter sido ainda mais cortante em sua estética. Foi gravado originalmente em Nova York, com algumas músicas tocadas apenas no violão. Dylan não gostou do resultado, e foi para sua terra natal, Minnesotta, regravar algumas canções com a presença da banda. Talvez tenha suavizado o teor delas, mas continuam altamente íntimas em suas descrições e observações sobre uma relação em completo desgaste, com um toquinho de esperança. A dor e sofrência em sua roupagem mais lírica. Dylan encerra o disco com uma nota de leve otimismo, companheirismo, saudade, verdade e senso de humor. ”I seen pretty people disappear like smoke/Friends will arrive, friends will disappear/If you want me, honey baby, I’ll be here” (Eu vi pessoas bonitas desaparecem como fumaça/Amigos chegam, amigos vão embora/Se você me quer, querida, estarei aqui), canta em Buckets of Rain. Dylan nunca soou tão sincero em toda sua obra.

Destaque: Simple Twist of Fate – Cinema para os ouvidos. De forma altamente elaborada como só Dylan sabia fazer, descreve o dia de um casal prestes a se separar. Não há nada mais a fazer. Tudo não passa de uma ”simples guinada do destino”. Todo o vazio de acordar e perceber que a pessoa que você ama, e te amava, já não está mais ali. ”She was born in spring/But I was born too late” (Ela nasceu na primavera/Mas eu nasci tarde demais), canta Dylan, sobre a incompatibilidade das ”almas gêmeas”. De uma beleza triste e reflexiva, a melodia é um primor de sensibilidade. Simples – apenas violão, contrabaixo e gaita. É uma canção de uma força monstruosa, te fisgando logo nos primeiros acordes. Entra como uma névoa na nossa mente. O contrabaixo pincelando linhas no nosso cérebro já abatido, ao mesmo tempo acompanhando a melodia, e acrescentando cores na mistura. Podemos ver as imagens na nossa cabeça, passo a passo, com a música de trilha sonora. Ironicamente, o casamento perfeito no meio de um disco sobre uma relação já inexistente.

A ideia original desta coluna era seguir uma ordem cronológica já estabelecida por mim, envolvendo 120 discos. Percebi que isso iria demorar muito, e a missão foi abortada. Esta será a última coluna a seguir este padrão. Na próxima, dividirei discos por temática, sonoridade ou algo em comum. Até porque fica mais interessante assim.

Love – Forever Changes (1967)

 Sublime. Esta é a melhor palavra que define Forever Changes. O terceiro disco do Love marca uma mudança de ares na banda. Suas raízes num rock and roll mais garageiro, sujo, mas ainda sim altamente melódico, dão espaço a um som acústico e elaborado. Na época, Arthur Lee, o líder e figura estranha do grupo, achava que ia morrer. Decidiu então gravar sua obra-prima. O clima de morbidez, e de beleza também, típicos dos anos 60, permeiam o disco. As letras de Lee são confusas, e muitas vezes não dizem nada. São fatias de fluxo de consciência, um método dos mais interessantes em que o autor busca transcorrer seus pensamentos no papel. Compôs nove das onze faixas do disco. As duas restantes são de autoria de Bryan McLean, um desses heróis esquecidos da música popular mundial. Aliás, é ele responsável pelo maior hit do Love, Alone Again Or. Suas letras diferem das de Lee pelo caráter mais padronizado. Seguem um pensamento. Enquanto à música, é um verdadeiro esplendor. A eletricidade foi substituída pelo luxo dos violões e arranjos de cordas e metais. Há alguns toques de guitarra aqui e ali. Solos bastante ácidos, agressivos. Uma atmosfera de leve desespero. A maior inovação foi o uso dos arranjos orquestrais. Casam perfeitamente com as melodias e arranjos dos instrumentos mais básicos. Geralmente o uso de cordas e metais em canções populares não agradam muitos ouvidos. Muitos acreditam que suaviza demais o som, ou o torna muito radiofônico ou apelativo. Na pior das hipóteses, barato demais. Há uma meia verdade nisso. Não aqui. As cordas e metais, esses em alguns casos, não adicionam elementos na fórmula. São parte da fórmula. Personagens em si. Em resumo, um disco suave com momentos de loucura e paranoia. Foi o último disco da formação original do Love, que não estava em seus melhores dias. E o resultado foi seu melhor disco. A desgraça influenciando a arte mais uma vez. Já Lee, só resolveu morrer quatro décadas depois, em 2006. Realmente, um cara estranho.

Destaque: The Red Telephone – A trilha sonora do fim do mundo. Um som sinistro. O título é uma referência ao famoso telefone vermelho, principal linha de contato entre Estados Unidos e União Soviética naqueles tempos de Guerra Fria. A música exala paranoia, confusão e morte por todos os lados. A primeira estrofe já anuncia o horror: ‘‘Sitting on the hillside/Watching all the people die/I’ll feel much better on the other side/I’ll thumb a ride” (Sentado no canto da colina/Observando todo mundo morrer/Me sinto muito melhor do outro lado/Vou dar um passeio). A atmosfera de sonho e pesadelo na harmonia entre melodia e arranjos. A letra desconexa de Lee deixa tudo ainda mais macabro. Ao final, um mantra sombrio que exala a opressão daqueles tempos: ”They’re locking them up today/And throwing away the key/I wonder who it’ll be tomorrow, you or me?” (Eles trancaram os outros hoje/E jogaram fora a chave/Me pergunto de quem será a vez amanhã, você ou eu?). Ou apenas um sinal de loucura. Tudo envolto em uma sequência medonha de acordes no violão. No verso final: ”We’re all normal and we want our freedom” (Somos todos normais e queremos nossa liberdade), com enfase e repetição da palavra freedom por um coro que mais parece ter saído de um limbo na terra dos pesadelos.

Cream – Disraeli Gears (1967)

 Em seu segundo disco o Cream mergulha na psicodelia da época. É o seu melhor trabalho. A perfeita definição de lisergia e melodismo. Aqui o trio mostra que sabe como ninguém fazer canções pegajosas. Não são meros improvisadores. As letras ganham colorações surreais, com bruxas, arco-íris do amor, contos de um bravo Ulisses e mulheres barbudas. A sonoridade caminha por meios luminosos e sombrios. Um blues coberto por música pop e ácido. Tudo muito dorminhoco em meio a uma lagoa em chamas. O maior hit do Cream está aqui, Sunshine of Your Love. Você com certeza já ouviu seu riff histórico em qualquer lugar que se preze. A banda está ainda mais afiada que em sua estreia. As linhas do contrabaixo de Jack Bruce ainda mais melódicas e sua voz cada vez mais forte. Ginger Baker continua com sua batida certeira e controlada. E o melhor timbre de guitarra já gravado por Eric Clapton em toda sua carreira. Algo entre uma faca e uma pista de patinação no gelo. Seus solos mantendo a veia ao vivo de sua natureza improvisadora. Riffs escorregadios e wah-wah’s, muitos wah-wah’s. E de quebra, ainda dá pra dançar tudo isso.

Destaque: World of Pain – Melancolia das cidades mais uma vez. Uma letra que reflete e questiona a dor de nossa existência por meio de imagens de uma árvore solitária sob as finas gotas de chuva londrina. Não vejo outro jeito de descrever a música a não ser como um exército de guitarras patinando no gelo em meio a uma Londres cinzenta coberta em chamas ainda mais chorosas.

The Jimi Hendrix Experience – Axis: Bold as Love (1967)

   Já o segundo disco da Experience soa como uma demo de estúdio, devido à pressa em que foi gravado, para aproveitar o sucesso do disco anterior e lucrar ainda mais o nome de Hendrix. Ainda há um incidente, ao menos é o que conta a lenda, que perturbou nosso herói, quando o próprio esqueceu as fitas master do lado A de Axis em um táxi, e tudo teve que ser feito novamente no sangue, suor e lágrimas. Na verdade, obviamente que utilizaram outros takes aceitáveis, com a habitual junção de overdubs e todo aquele processo de produção musical. Isso não prejudicou o disco em nada, apesar da desaprovação de Hendrix. Esse ar esquelético de estúdio enfatiza ainda mais as composições do guitarrista, seu maior talento ignorado. Hendrix foi um melodista nato, e aqui as baladas estão entre as melhores de sua curta vida. São o ponto alto do disco. Seguindo numa sonoridade mais soul, muito sensível e bonito demais da conta, uma forte influência de Curtis Mayfield. Suas letras também evoluem em lirismo e beleza. Ele era muito influenciado por Bob Dylan. O disco pode soar desorganizado, já que as faixas foram separadas entre rockões e baladas, rockões e baladas, e assim até o fim. Isso quebra o ritmo do disco. Mas aqui até que funciona. Mesmo o resultado final não ter ficado ao seu gosto, Axis também foi o momento em que Hendrix abusou de seu perfeccionismo, passando horas e horas trabalhando em suas composições e produções, muito obcecado por efeitos de estúdio e causando a ira de seu produtor, Chas Chandler, que pediu as contas logo após. No disco seguinte, seu mais famoso, Electric Ladyland, Hendrix assumiria a produção e sua música aumentaria em fatores produtivos.

Destaque: Little Wing – A pérola lapidada de Hendrix. Seu maior tesouro. A melhor introdução da história de todas as introduções musicais, entre o rítmico e o solo. Sua Stratocaster no mais cristalino dos timbres, elaborando uma sequência de acordes cheia de groove e carisma, belíssima e em andamento progressivo, em espiral, acompanhada de simpáticos tilintares de um sininho. Logo após, uma pequena virada de bateria e a melodia entra. Moça bonita, moça bem feita, moça formosa. E o sininho permanece. Há algo de indiano na música, influência recorrente nas melodias de Hendrix. Ao final, um solo que é o paraíso na Terra. Desculpe a repetição. Hendrix nunca mais soou tão sensível desde então. Na letra, visões de pura beleza e surrealismo descrevendo uma mulher enigmática. Quem é esta mulher? Ninguém sabe. Só sei que essa é mais uma canção milagrosa para ouvir, e sentir. A mão chega a tremer!

Blue Cheer – Vincebus Eruptum (1968)

   1968 foi o ano das revoluções. Protestos e sistemas opressores ficaram intensos no mundo inteiro e nosso planeta Terra nunca mais foi o mesmo, com violência e caos reinando em meio aos movimentos jovens nas ruas. Nada melhor então do que começar esse ano tumultuoso com peso. Muito peso! E barulho também. A revolução mais uma vez. Lançado em janeiro, a estreia do Blue Cheer abalou as estruturas da música para sempre. Parece até a própria representação de 1968. Pegue o blues e aumente a potência em tudo, em especial na amperagem, e temos o nascimento do heavy metal. Se o Black Sabbath é o pai do gênero musical, o Blue Cheer então só pode ser o avô. Nem a Jimi Hendrix Experience soou tão frenética e caótica quanto Vincebus Eruptum. Com apenas seis faixas, três autorais e três covers, o trio, ou a mais literal definição de power trio, espanca nossa cara com muito gosto. Mas não se preocupe, não dói nada. O lado primitivo do rock and roll levado ao mais intenso pé da letra. A guitarra de Leigh Stephens gritando riffs cortantes e solos agoniantes, pedindo por misericórdia, o baixo pulsante e a voz aguda quase (eu disse quase) irritante de Dickie Peterson e Paul Whaley espancando a pobre bateria, com batidas primais, quase ”George das selvas” e pratos chiando pelo espaço e tempo. Uma procissão de dores no reino do caos. Tudo ao mesmo tempo expirando musicalidade. Barulho também é música. Após sua estreia, o Blue Cheer, infelizmente, não seguiu a mesma linha e seu som perdeu a força.

Destaque: Parchment Farm – A heresia. Transformar um antigo blues de Bukka White, transformado num jazz faceiro por Mose Allison, em um caminhão nervoso deve ter feito os ouvidos dos mais puristas sangrarem de desgosto. Parchment Farm é o resumo do som do disco. Barulho, barulho e mais barulho. O riff de guitarra harmonizando com a linha de baixo, acrescentando mais raiva. Uma violência sonora de trilha de fundo para uma letra igualmente violenta sobre assassinato. Nada mais apropriado. Ou se você quiser um pouco mais de suavidade, um espetáculo de trovões numa corrida pelo domínio dos céus. No meio da música, uma pausa para acalmar os ânimos. Então, após batidas florestais na bateria, o triunfal retorno à glória. Os pelos da nuca chegam a roçar!

The Velvet Underground – White Light/White Heat (1968)

 Seguimos na onda das revoluções. Como dito na coluna anterior, os três primeiros discos do Velvet inventaram modas. Em seu segundo, já sem a influência de Andy Warhol e a presença de Nico, nossos heróis das ruas aumentam o barulho, distorção, cacofonia e coisas feias. E assim nasce o noise rock. É também um disco feio. Assim como foi o caso de Axis, parece ter sido lançado às pressas. Soa incompleto. Com apenas seis faixas, sentimos a falta de algo a mais. Todas elas diferem uma das outras. É confuso, mas faz sentido. Há uma ligação de sonoridade entre elas. Lou Reed cada vez mais inspirado na podridão e no sinistro. John Cale, em sua última participação na banda, nos presenteia pela primeira vez com sua voz em duas faixas, apresentando seu simpático sotaque galês. Na primeira delas, The Gift, recita um poema dos tempos de faculdade de Lou Reed, um conto macabro contando a trágica história de Waldo Jeffers, um simpático homem com saudades de sua namorada, há milhas de distância. Resolve então se mandar de presente pra ela. Resultado desastroso. Na outra, Lady Godiva’s Operation, canta pacificamente e num tom falado, descrevendo a cirurgia de troca de sexo da lendária figura histórica, enquanto os outros integrantes do grupo simulam com a voz barulhos de brocas e aparelhos cirúrgicos diversos. Também termina em tragédia. Tudo muito calmo, cacofônico, belo e feio. Mas o melhor está por vir…

Destaque: o lado B inteiro – ou para melhor compreensão, as duas últimas faixas. Totalizando mais de 21 minutos, é provavelmente o melhor lado B de um disco na história. O Velvet extrapola ainda mais os limites da música. Em I Heard Her Call My Name, o grupo mergulha num ritmo frenético de batidas robóticas, guitarra rítmica agressiva e Lou Reed soltando rajadas de violência cacofônica em seus solos nos nossos ouvidos, nossa cara e tudo mais. Não escute esse som num fone de ouvido. Quem avisa amigo é. Na letra, vejam só, Lou relata ouvir uma voz estranha o chamando pelo nome. É uma morta. Necrofilia também é arte. E barulho. Muito barulho. Já Sister Ray fecha o álbum com seus 17 minutos de puro caos e pavor, com direito a assassinato, drag queens, sodomia e tudo mais, resumidos num riff ainda mais cortante e num órgão de timbres agudos tão horripilante quanto. A ascensão e glória dos fritadores de cérebro. O ouvido chega a sangrar!

Antes de tudo, um adendo: a parte chata de redigir aquilo que lhe passa pela cabeça é que, ao reler seu texto diversas vezes, você percebe que esqueceu de mencionar uma ou outra coisa a mais. É uma perturbação interna dos infernos isso. Mas seguimos em frente. Na coluna de hoje estão presentes cinco discos clássicos de 1967 que fizeram história, ao inovar no conceito de música pop e inventar novos estilos que entrariam em cena décadas depois.

Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow

          Batidas primais e um riff que mais soa como uma corrida de karts pilotados por aviadores e, de repente, temos a inauguração do verão do amor. Você sabe… quando a juventude foi dominada pelas flores na cabeça, paz, amor e psicotrópicos. Muitos psicotrópicos. O curioso é que Surrealistic Pillow foi lançado em fevereiro daquele ano, em pleno inverno estadunidense. Mas não faz mal, o clima frio toma conta do álbum. E o quente também. Predominantemente acústico, com leves excursões por um território mais elétrico, Surrealistic conta com a estréia de Grace Slick e Spencer Dryden no grupo, substituindo a vocalista Signe Anderson e o baterista Skip Spence. E a banda atinge seu pico comercial e o ponto alto em sua discografia. Somebody to Love e White Rabbit logo se transformam em hinos de uma geração. O disco tinha tudo para soar confuso e desconexo pela quantidade de compositores nele presente. Mas não. Há uma conexão entre as faixas, ligadas pela brisa psicotrópica da época. É também o último momento de brilhantismo de Marty Balin, o fundador do grupo. Esse cara é uma pérola esquecida na história. Falo sério. Sua voz e sensibilidade na elaboração de melodias e arranjos deveriam ser mais valorizados. Balin interpreta com o coração as cinco composições de sua autoria no álbum. Após esse álbum, Grace Slick e Paul Kantner tomariam as rédeas da situação, aumentariam o peso no som do Jefferson Airplane, deixando Balin desconfortável com a mudança brusca, e sendo relegado ao mero papel de um vocalista secundário. Uma pena. Balin foi o compositor mais talentoso de todo o sexteto.

Destaque: Comin’ Back to Me – A grande balada do álbum e a melhor composição do cara talentoso e subestimado da banda. Como não poderia deixar de ser? Acústica, ao som de um delicado dedilhado e a mais bela, triste e reflexiva das harmonias. Há também uma discreta flauta doce que adiciona ainda mais tons reflexivos. Trilha sonora de fundo para momentos em que você só quer se encontrar sozinho, pensando na vida. Balin se entrega numa interpretação sensível e tímida. Sua tristeza nos comove. Na letra, visões de um amor perdido sob olhares poéticos e brisados. Saudade nunca soou tão deprimida. Imagens de desolação e nuvens cinzas. Sim, a famosa fumacinha teve influência na composição. De fato, podemos sentir a brisa de verão de um final de tarde alaranjado na varanda de uma casinha rústica no campo, à beira de um lago.

The Velvet Underground – The Velvet Underground & Nico

         O famoso, mítico e pai de todas as crias, o popular ”disco da banana”. Aqui tudo muda. Não vendeu nada na época. Mas como disse Brian Eno, quem o comprou, formou uma banda. Magistral. Os três primeiros discos do Velvet inventaram modas. Aqui, todo o conceito do que podemos chamar de rock alternativo foi posto em prática. Acessível, mas nem tanto. Entre o pop, pela ótica de Lou Reed, e a vanguarda, influência maior de John Cale. O belo e o feio também. Produção levemente precária, músicos não muito técnicos, batidas robóticas, melodias e arranjos simplórios, e faixas que beiram aos sete minutos. Nenhum teor radiofônico. Músicas calmas e repetitivas numa espécie de mantra elétrico hipnótico. Atmosfera de sono, mas tudo muito agradável e nada sonolento. As letras de Lou Reed apresentam a visão suja das ruas e da vida decadente das grandes cidades. O anti-verão do amor. Drogas pesadas, prostituição, violência, morte e festinhas ruins. Só coisa linda. Produzido financeiramente por Andy Warhol, o artista plástico mais influente do século XX, ou ao menos o mais conhecido. Foi ele que quis que Nico, uma de suas protegidas, participasse do álbum, a contragosto da banda. Canta em três faixas com seu vocal grave falado característico. Não estraga nada a sonoridade do álbum. Ouça. E muito. Nem que seja como música ambiental.

Destaque: All Tomorrow’s Parties – Cantada por Nico, é um exemplo clássico do som que fez o Velvet famoso. Arrastada e repetitiva em seus seis minutos, não cansa nunca. Marcada inteiramente por uma batida neurótica controlada no piano, que te absorve alucinadamente na própria música. Nico, Reed e companhia te transportam para as decadentes festas na Factory, quartel general de Warhol e suas estrelas, sob o olhar de uma misteriosa figura feminina com vestido de trapos e dor na alma. Todo mundo no desespero e desolação de uma vida fútil e blasé. Muito choro e bebida. Por essas qualidades, era a favorita de Warhol.

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced

        Não há muito o que falar sobre esse disco. Mais inovação. Jimi Hendrix não precisa de apresentações. Mudou a forma de se tocar guitarra e popularizou o uso da distorção no instrumento. Mas a grande mudança aqui está na junção de estilos musicais que formaram um som único e influente a partir da própria visão de Hendrix. Blues, soul, rock and roll, psicodelia, funk, e temos pela primeira vez na história da música pop os moldes de um som mais pesado que se popularizaria na década seguinte. O disco transborda peso e lisergia por todos os poros. A produção é crua até explodir os ouvidos. O grande talento esquecido de Hendrix também se encontra aqui em todas suas forças: suas composições, um pouco deixadas de lado em prol do peso. Mais sobre isso na próxima coluna. Aguarde!

Destaque: Manic Depression – Peso, barulho e violência. Hendrix lamenta as dores de um amor inatingível. Você já deve ter notado que boa parte dos destaques em cada álbum aqui citados tratam das angústias que o amor nos causa. Amor é um sentimento universal. Está em todos os lugares. E nada melhor do que esse tema tão trágico como pano de fundo para a música pop. É o alimento primário que move esse tipo de som. A angústia de Hendrix é banhada em um riff tiranossaurico em conjunto com o ritmo da batida neurótica de Mitch Mitchell. Uma marcha militar marciana. A guitarra em si é um primor. Hendrix a faz lamentar de desespero angustiante. O casamento perfeito entre letra e música, parindo uma dor imensa. Tenso.

The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

       Em seu disco mais famoso, os Beatles decidem investir numa produção mais esmerada. E a indústria musical nunca mais foi a mesma desde então. Os discos passaram a ser um elemento primário, com uma produção mais cuidada e faixas compostas e selecionadas especificamente como um conjunto, não mais como uma colcha de retalhos feita apenas para vender. Há também um conceito por trás do álbum, com os Beatles emulando uma banda fictícia, a Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, originando assim o álbum conceitual, que busca contar uma história ou um conceito através da ligação entre suas faixas. Mas deixe isso de lado e foque apenas no conjunto de canções. São especialmente mágicas. Nada mais a ser dito. Aqui, Paul McCartney assume a liderança. Por sua vez, John Lennon, naquela época em sua fase de ”homem mais preguiçoso da Inglaterra”, só contribuiu com três composições solo, mais duas em parceria com McCartney. Tenho um carinho especial por esse disco, repleto de canções que continuam a tradição de pedaços de torta de chocolate no catálogo dos Beatles. O maior destaque no disco é o contrabaixo de Paul, com suas linhas cada vez mais melódicas. Aqui soam como um fio condutor das canções, um narrador apresentando os personagens. E devo ser o único ser nesse planeta a amar de paixão a única composição de George Harrison no álbum, Within You Without You. Um exercício de pura música indiana, e tão viajandona quanto o resto do álbum, que faz todo mundo chiar de sono. Quem perde são eles.

Destaque: Being for the Benefit of Mr. Kite – A magia das atrações circenses em dois minutos de esplendor pop, composto por John Lennon após comprar um cartaz de uma antiga produção de circo. Somos transportados para a noite inesquecível narrada na letra, com todos os personagens e eventos mágicos nela citados. George Martin, o produtor dos Beatles, encheu a faixa de efeitos, órgão de parque de diversões e sanfonas. Sinta-se afogado num mar de elementos circenses. Ainda de sobra, uma valsa luminosa pelas ruas cinzentas de Londres. Lindo é pouco.

Pink Floyd – The Piper at the Gates of Dawn

    A estreia do Pink Floyd, capitaneado por Syd Barrett, o louco maravilha. O universo da mente infantil de Barrett domina o álbum, com canções sobre gnomos, astronomia, gatos siameses, contos de fada e bicicletas. É o disco que inaugurou a psicodelia britânica. Pop, mas underground. Talvez o disco desses tempos psicodélicos menos datado que há. Não envelheceu nada. Mas também pode soar estranho para ouvidos menos acostumados com anormalidades. Por exemplo: você se acostumaria com um pseudo jazz de cocktail instrumental recheado de grunhidos, uivos, cacarejos, exemplos primários de beatbox e berros aleatórios, nas vozes dos próprios integrantes do grupo? Esteja avisado. Mesmo diferente do som posterior que faria o Pink Floyd famoso, as bases primordiais de seu som já estão aqui, como os teclados artesãos de Rick Wright e a batida econômica de Nick Mason. Depois Barrett cairia cada vez mais num poço de loucura e comportamento errático, causado pelo uso abusivo de substâncias alucinógenas, até ser expulso da própria banda que formou. Gravaria dois discos com a ajuda de seus antigos companheiros de banda e depois sumiria para sempre do mapa, até sua morte em 2006. É por isso, crianças, que não devemos utilizar substâncias estranhas. Frita cérebros e sabota mentes brilhantes. Já o Pink Floyd, permaneceria na cena underground até o longínquo ano de 1973. Mas aí é outra história…

Destaque: Astronomy Domine – A abertura espetacular de um disco espetacular. O nascimento do rock cósmico, espacial, viajandão. De melodia e arranjos celestiais, somos entregues ao espaço, navegando em órbitas estelares de psicodelia e uivos fantasmagóricos de piratas celestes de Júpiter. É o que chamamos de aquele pop menos pop possível. Achou isso tudo estranho? Eu também…